Al recibir la noticia de la llegada de Napoleón a una pequeña villa española, los oficiales de la guarnición deciden agasajar a su emperador con una cena, y para que la velada sea ideal, deciden añadir al menú a la chica más bella del lugar. Para ello citan a todas las jóvenes del pueblo con el objeto de encontrar entre ellas a la candidata a ser la compañera de festín del gran Bonaparte. Todas pugnan por el honor, unas para intentar seducir al dueño de Europa y otras para estar cerca de él. y quizá así, con sólo unas gotas de veneno, acabar con el tirano de una vez. La Cena, cortometraje musical, Color, 15 min. 2016. http://www.vocesdecuenca.com/web/voces-de-cuenca/-/el-corto-rodado-en-cuenca-la-cena-se-estrena-en-el-mirador-este-sabado-a-partir-de-las-20-00-horas https://www.facebook.com/LaCenaCortometrajeMusical/
El Festival Internacional de Cortometrajes de Cuenca tiene entre sus objetivos principales apoyar la difusión y producción de la industria cinematográfica así como promocionar las posibilidades de Castilla-La Mancha como escenario cinematográfico. Tendrá lugar en el mes de Julio de 2016 en el casco antiguo de Cuenca, se proyectarán los cortometrajes seleccionados por el jurado, todos los sábados del mes, además, a lo largo del mes se celebrarán actividades paralelas al festival. La entrega de premios se celebrará el día 6 de Agosto. Para más información visiten su página web o a través de sus redes sociales.
La primera coproducción hispano-etíope de ciencia ficción. Un film surrealista postapocalíptico escrito y dirigido por Miguel Llansó, producido por Sergio Uguet de Resyre, sonido de Joaquín Piñero, editada por Velasco Broca. Con Daniel Tadesse Gagano como protagonista.
Lamosa, un espacio cultural y artístico alternativo en Cuenca. Un lugar de encuentro. Arte emergente. El espacio como punto de encuentro y de creación. Un lugar donde poder interactuar y compartir conocimientos o crear acciones y situaciones. Una plataforma donde realizar exposiciones, encuentros, performance, workshops...
Donostiarra
de nacimiento, dibujante y pintor, pero cineasta por vocación. A los
veinte años de edad viajó a New York donde se embriagó con el
Pop-Art de los años sesenta, los trabajos de Robert Rauschenberg,
Roy Lichtenstein, Tom Wesselmann o Andy Warhol desencuadraban su
mente y rompían sus esquemas.
Realizó
sus estudios cinematográficos en la Escuela Oficial de
Cinematografía de Madrid (estudios que no llegó a terminar) donde
José Luis Borau fue su profesor de guión y para cuya productora trabajaría. A
finales de la decada de los sesenta fue ayudante de dirección en el
programa de televisión “Último Grito” (1969) el
cual fue el germen de la película “Un, dos, tres, al escondite
inglés” (1969).
Entre
los años 1971 y 1979 realizó diversos experimentos cinematográficos
en formato Super-8, “Roma-Brescia-Cannes”
(1974), “Mi ego está en babia” (1975), “Aquarium” (1975),
otros de ellos mediante la apropiación de metraje encontrado así
como la aceleración de imágenes, el collage;
tal es el caso de “Kinkón” (1971), donde Zulueta filmada en
Super-8 y comprime en seis minutos y medio la versión clásica de
“King Kong”, de Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack (1933).
Manipula el metraje, acelera y reduce la velocidad del argumento,
recortando un poco por aquí, eliminando bastante más por allá,
ralentiza
las imágenes en los momentos de mayor tensión con el único
propósito de alargar el sufrimiento de los espectadores.
Similar intervención que un año más tarde repetirá en “Frank
Stein” (1972), al obtener acceso, esta vez a la película en 35mm
de James Whale “Frankenstein” (1931), el resultado es una
abreviación del Frankenstein original, reduciendo esta a tres
minutos de duración, y en la que de vez en cuando la imagen se
congelaba, sin ninguna razón precisa, pretendiendo que el espectador
reflexionase de alguna manera a cerca del motivo de dicha pausa.
Un
interesante ejercicio de metraje encontrado que nos invita a
reflexionar sobre la duración de las películas. En “Masaje”
(1972), repite la misma formula pero esta vez la intervención es
realizada sobre la grabación en Super-8 de la programación completa
emitida a lo largo de todo un día por TVE (recordemos que en aquella
época tan solo existían dos canales en los televisores de nuestro
país). En las imágenes puede apreciarse la retransmisión del
desfile de la victoria y una manifestación sindical, todo casi
subliminal. Zulueta continuó a lo largo de la década de los setenta
realizando diversos experimentos en Super-8, como por ejemplo:
“Roma-Brescia-Cannes”
(1974), el registro documental de un viaje, trasladarse de un sitio a
otro, el trayecto, los planes cumplidos. De la Roma turística
antigua y monumental, a una soleada casa en mitad del campo cerca de
Brescia, hasta llegar a Cannes, donde excéntricos personajes se
pasean cerca del mar esperando la noche, y la Croisette
abarrotada
donde se proyecta “La conversación” de Coppola.
“Mi
ego está en babia” (1975), película de cuarenta minutos de
duración donde un hombre llega en una isla típicamente
mediterránea. Los habitantes le cuentan la historia de su ego, que
hay que volver a encontrar con toda urgencia. El hombre se lanza a la
carrera en busca de su otro yo y se pierde fatalmente entre la
multitud de seres desdoblados.“A Mal Gam A” (1976) donde la
materia y la forma son elementos de exploración cinematográfica.
Una casa (la de Zulueta, Villa Aloha) y un hombre (el propio
Zulueta), recuerdan el universo cerrado del Ángel Exterminador de
Buñuel. Las escenas, pedazos inconexos de la realidad, recuerdan el
cine undergroud de Warhol y a Psicosis de Hitchock.
Iván
Zulueta rodó “Leo es pardo” (1976) en 16mm para experimentar con
texturas, sonidos y formatos, y cuestionar los cánones
cinematográficos del cine comercial en boga. La película introduce la temática de la dualidad y el desdoblamiento de personalidad,
recurrente en su obra y que empujará hacia el límite en Párpados
(1989), pieza televisiva en la que el juego de espejos, la
experimentación con la imagen y escisiones se multiplican hasta la
atomización.
“Arrebato”
(1979), José
Sirgado, director de cine de treinta y pocos años de edad, ha
terminado su segunda película y se siente profundamente insatisfecho
por muy diversas razones. Una puede ser que sus relaciones con el
cine no tienen nada que ver con lo que él había imaginado, otra
puede ser que su adicción a la heroína le ha dejado una huella más
profunda de lo previsto, o quizá sea su tumultuosa relación con
Ana, protagonista de su primera película. Al volver a su casa se
encuentra con un paquete enviado por Pedro, un antiguo conocido, que
contiene una cassette y un rollo de película que hará que Pedro se
enfrente a sus demonios pasados y presentes.
“Hay
cosas que teniendo más vidas, más tiempo, más todo, me encantaría
tocar…”
Andrei Tarkovski (1932-1986) Esculpir en el Tiempo. Narración con estructura aristotélica. Tarkovski plantea un nuevo modo de hacer cine. Cine como experiencia vital. Plantea una mejora del mundo por medio de la cultura y la creatividad. Heredero del cine constructivista ruso. Sus temáticas: el tiempo y la experiencia, alusiones a la vida y a la fragilidad del ser humano, como en "Sacrificio" de 1986, usando, con tremenda maestría, como unidad minima el plano secuencia. "Solaris" (1972) basada en la novela homonima de Stanislaw Lem. El sonido hace ver la imagen de modo diferente a lo que esta imagen muestra sin él, y la imagen, por su parte, sitúa el sonido en un espacio, haciéndolo sobrevivir así en cierto lugar. Tarkovsky ilustra de modo atroz esta idea, en una secuencia de la película "Andrei Rublev" de 1966, donde un verdugo tártaro trae un cazo con aceite hirviendo para torturar a un príncipe ruso, el aceite le es vertido por la garganta pero la espalda del verdugo oculta el gesto, interpuesta en ese momento entre el espectador y la cabeza del ajusticiado. Oímos en ese momento una serie de espantosos gargarismos, la palabra humana afectada en su centro físico. "Stalker" (1979).
"Que una cosa tenga nombre no significa que exista, al contrario, las cosas existen antes de que les asignen un nombre" Carles Santos Video Data Bank
El cine como arte. Medios de difusión del cine y del video: TV, Salas comerciales, Galerias. El Moma (New York) una de las primeras instituciones en coleccionar películas de cine. Un tipo de arte que depende de la situación economica del entorno en el que se produce. Cine: coste mayor. Video: coste menor. Nueva revolución con las nuevas posibilidades digitales (grabación, edición, posproducción...) Internet como nuevo medio.
Fraude (F for Fake) Orson Welles, 1973. Una supuesta investigación sobre los procedimientos utilizados por dos conocidos falsificadores -el pintor Elmyr de Hory, "autor" de numerosos modiglianis, matisses y picassos, y el escritor Clifford Irving, responsable de la "autobiografía" del magnate estadounidense Howard Hughes- da pie para la reflexión caleidoscópica e irónica sobre las nociones de autenticidad y fraude en el arte y sobre las características del arte mismo -incluido el cine- y de sus formas actuales de comercialización. El propio Orson Welles, director, guionista y protagonista de la película, se presenta en pantalla como un mago dispuesto a exhibir sus trucos y actúa después como narrador de un relato en el que confunden intencionadamente los datos y personajes reales con otros inventados por ellos o por el narrador mismo, en el sugestivo ambiente histório, popular y turístico de Ibiza de los primeros años setenta. 01.03.2010 Próxima proyección en el Centro Cultural Aguirre (c/ Aguirre, 2) En Cuenca dentro del ciclo "Las Ciudades Españolas Patrimonio de la Humanidad, en el cine". 2010. http://www.ciudadespatrimonio.org Tras presentar Campanadas a medianoche (1965) y Una historia inmortal (1968), y mientras multiplica sus intervenciones como actor para ganar dinero con el que financiar otros proyectos, Orson Welles -a quien muchos consideraban "acabado" o perdido entre la genialidad y la megalomanía- emprende una tarea muy diferente de las que caracterizaban su filmografía hasta entonces. Al conocer un documental sobre falsificaciones que estaba preparado para la televisión el cineasta franco-alemán François Reichenbach, Welles le compra el material rodado y, contando con su colaboración, construye a partir de él un deslumbrante rompecabezas visual y sonoro, donde el mismo aparece a veces como mago, otras como un vulgar estafador y siempre como autor y dueño absoluto de los signos que maneja. Hasta el punto de borrar las hipotéticas fronteras entre la realidad y su representación, entre el documento y la ficción, para desconcierto de un espectador quiza demasiado crédulo. Conjugando conceptos como los de "falso documental", "documental de creación" o "de autor".
"La calidad nunca es un accidente; siempre es el resultado de un esfuerzo de la inteligencia". J. Ruskin
¿Quién decide que es arte y qué no?, ¿Bajo qué criterios?, El arte ¿realidad o ficción?
